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La guitarra. Interpretación del repertorio, del Renacimiento al siglo XX.
Para realizar una correcta interpretación musical se debe de llevar un criterio,
este es, el enfrentamiento y la solución de los problemas que se le presentan al
guitarrista al abordar determinada partícula, esta representa una información
codificada al intérprete y debe ser transmitida de acuerdo a las normas
generales de ejecución que imperaban en que fue escrita. En algunas épocas como
la época del renacimiento presentan problemas de interpretación a causa de su
propio descuido, la solución a esta problemática es condición indispensable para
la adecuada y coherente ejecución musical de obras de este periodo y aun
comprende la de períodos posteriores.
El renacimiento posee dos instrumentos musicales que le representa, el laúd y la
vihuela, la vihuela posee dimensiones mas reducidas y es muy parecida a la
guitarra actual y el laúd posee una resonancia muy libre, y su volumen es
relativamente bajo, su timbre muy delicado y característico, así como
transparente y cristiano. Las cuerdas de estos instrumentos son dobles y están
afinadas al unísono por pares llamados órdenes. El mejor sustituto en la
actualidad es la guitarra que hoy en día utilizamos y la ejecución de su
repertorio se puede realizar sin perjuicio de la música, siempre y cuando se
tomen en consideración los aspectos idiomáticos y estilísticos propios de la
época y de estos instrumentos. Para hacer una buena música hay que tener una
buena técnica, saber utilizar tanto la mano izquierda como la derecha, la
izquierda nunca debe de dejar de pisar la cuerda, en especial en notas largas,
en cuanto a la mano derecha existen varios criterios de ejecución como son:
La utilización de la llamada vigueta: alternancia del pulgar e índice de pasajes
escalares. Y la utilización del pulgar a manera de apagador es indicada por
Fuenllana y se aplica a fin de evitar que la vibración de determinadas notas
afecten la correcta definición del tejido contrapuntistico de la obra musical.
Entre la música de origen vocal y la instrumental, se encuntran las llamadas
diferencias, que son el tema con variaciones, y que consiste en una serie de
notas que implican un determinado tipo de enlace armónico, o bien una canción
famosa, ya sea que se encuentre en el soprano o en el bajo de una composición.
Ejemplos de este tipo de música son:
• Conde claros (Narváez)
• Conde claros(Mudarra)
• Conde claros (Valderrébano)
En cuanto a la ornamentación de este periodo debe ser tratada con gran cautela
por parte del intérprete, ya que es peligroso caer en extremos que afecten más a
la música que estar estilísticamente correctos. Existen dos tipos de ornamentos
a disposición del interprete: las llamadas graces, esto es ornamentos
específicos aplicadas a notas simples, que es también conocida como adornos, y
los llamados passagi, que son series libres de redobles o glosas, estos son
pasajes que se sustituyen por el lento movimiento de los intervalos básicos de
la melodía, a los cuales se les denominaran ornamentos. Existen datos que
afirman que algunos autores llaman al primer grupo ornamento franceses y al
segundo ornamentos italianos. Al primer grupo lo apoyan el mordente, la
apoyadura, el grupito y el trino, mientras que al segundo que es la
ornamentación libre de intervalos, frases y cadencias, pertenecen a los llamados
passagi, redobles y glosas. La correcta aplicación de la ornamentación se debe
al resultado de su asimilación a través de la práctica.
Los problemas que enfrentan los
guitarristas de hoy en día, es la actitud que debe tomar al enfrentar una
música de esta época como son: la sonoridad de la música que en este periodo es
clara y transparente, se recomienda el uso de ¨no apoyado¨ en la mano derecha y
el cambio de dinámicas. En cuanto a periodo Barroco presentan los mismos
problemas que este periodo, es el problema de la interpretación, los cuales
deben de ser tratados y resueltos de manera adecuada. Una adecuada
interpretación barroca es consecuencia de una adecuada actitud barroca. En este
periodo existía una mezcla de composición e improvisación en sus ejecuciones ya
que el compositor y el intérprete generalmente eran la misma persona. Los
instrumentos utilizados son el laúd y la guitarra, el primero con forma de
medida para cortarla verticalmente y en la segunda, sus dimensiones son más
reducidas que las del laúd y su configuración es similar a la de la guitarra
actual.
En cuanto a la sonoridad de esta época, es transparente e incisiva, los
instrumentos de la época nos dan muestra de ellos, y esta característica debe
estar siempre presente en la ejecución de obras de este tipo. La dinámica es una
de la música barroca tan importante como nula de los otros periodos. Esta se
utiliza en función del fraseo y la articulación y se implican mutuamente, esta
es claramente constante y se aplica por
terrazas, o sea, en un mimo nivel sonoro para su sección o frase completa.
En cuanto a la ornamentación este es una necesidad inobjetable en la música
barroca, existen dos tipos de ornamentación: ornamentación libre de intervalos,
frases y cadencias y adornos específicos. Pero en este tiempo la practica mas
común era la ornamentación improvisada, la repetición de piezas o algunas de sus
secciones debían ser ornamentadas. En el periodo clásico y Romántico se
desarrollo una nueva estética basada en ideales de simetría, balance y claridad.
La sonata, las frases simétricas y el equilibrio armónico son características
que definen claramente este periodo. Sus principales exponentes son Fernando
Sor, Mauro Giuliani, entre otros. El repertorio del guitarrista consistía en la
variación sobre temas propios, de extracción popular o de autores consagrados.
En cuanto al fraseo en este periodo es simétrico, y mayormente esta acompañado
por inflexiones dinámicas de mayor intensidad, en esta época existe un mayor uso
de crescendos y diminuendos, ya que la dinámica, al igual que el timbre adquiere
mayor importancia estructural y posibilidades de utilización.
La ornamentación adquiere especial significado en este periodo, ya que por lo
general el compositor se preocupa cada vez mas por indicar cada nota en la
partícula; en el repertorio para guitarra se conserva en cierta medida la
tradición de la ornamentación por parte del intérprete. En cuanto al siglo
XX, además de que impero en el mundo guitarrista, en la música aparecen las más
variadas tendencias derivadas principalmente de la tradición romántica del siglo
XIX y de los avances y descubrimientos de la ciencia. Una de las corrientes mas
importantes es la dodecafonía, que evolucionó hasta el llamado serialismo
Integral, siendo este la absoluta organización de todos los elementos
composicionales involucrados en la composición musical, ya sea altura, dinámica,
articulación, timbre y duración de las notas. Uno de los aspectos más
importantes de la música actual es la búsqueda de nuevas sonoridades.
Paulatinamente se Integran nuevos sonidos a las técnicas composicionales, aunque
evidentemente no hay nuevos sonidos ya que todos se encuentran en la naturaleza,
el concepto de que estos sean potencialmente valiosos para la música, ha creado
un enfoque radicalmente distinto del concepto de la música.
Tradicionalmente las sonoridades producidas por la guitarra se buscan en función
de un homogéneo y bello sonido, así como de calidad de timbre. Las nuevas
sonoridades demandan nuevos símbolos para representarlas. Uno de los problemas
que enfrenta el interprete ante la partícula de música contemporánea es
convertir en sonidos los signos anotados, en especial cuando las imágenes
visuales funcionan a manera de estimulo a la imaginación del intérprete. La
música contemporánea delega una gran responsabilidad al interprete, ya que es
definitiva su participación para una feliz comprensión de ella. En fin, el
guitarrista actual para conservar esta posición del instrumento, debe estar
conciente de su gran responsabilidad y realizar sus interpretaciones de acuerdo
a las exigencias impuestas en el mundo musical de hoy.
[ Colaborado por: Admin, para
www.agendistas.com ]
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